La règle du f16 est un moyen rapide et facile d’estimer l’exposition d’une photo pour des prises de vue en extérieur. En effet sa dénomination anglaise “sunny f16 rule” donne une idée de son fonctionnement.

A- Quelle est donc cette règle ?

Elle est très simple : en extérieur, en plein soleil et en milieu de journée, l’exposition correcte est :
- ouverture : f16
- vitesse : 1/iso secondes
iso étant la sensibilité de la pellicule ou le réglage iso de l’appareil (dans le cas d’un numérique).

Voici un exemple concret : en cours d’après midi, en plein soleil, avec une pellicule 400 iso dans l’appareil, le réglage correct sera :
- ouverture : f16
- vitesse : 1/400s

Simple non ? De la même manière, dans les même condition de luminosité, si j’ai une pellicule 100 iso dans l’appareil, le réglage sera :
- ouverture : f16
- vitesse : 1/100s

Ceux qui ont déjà commencé à regarder sur leur vieil appareil me feront remarquer que les vitesses 1/400s et 1/100s n’existent pas. Ne vous inquiétez pas, il suffit de prendre les vitesses les plus proches : respectivement 1/500s et 1/125s. De la même manière, prenez 1/250s pour une pellicule 200 iso et 1/1000s pour une pellicule 800 iso, etc…

B- Réciprocité et règle du f16

Évidemment cette règle ne vous oblige pas à prendre toutes vos photos à f16. Pour les grands débutants, reprenons un (si ce n’est LE) grand principe de base de la photo : la règle de réciprocité.
Chaque fois que j’ouvre le diaphragme d’un cran, je dois augmenter ma vitesse d’un cran pour conserver la même exposition*. C’est ce que fait votre appareil automatiquement quand vous êtes en mode priorité diaphragme ou priorité vitesse…
Pour rappel, et il faut bien le rappeler car ce n’est plus visible sur les appareils numériques qui parlent en tiers de cran, les “crans” dont je parle sont les suivants :

- Pour le diaphragme : …f1.4, f2, f2.8, f4, f5.6, f8, f11, f16, f22, f32…
- Pour la vitesse : …1/2000, 1/1000, 1/500, 1/250, 1/125, 1/60, 1/30, 1/15, 1/8, 1/4…

Chaque passage de cran double ou divise par deux la quantité de lumière reçue par la pellicule.

Ainsi, dans notre 1er exemple où la bonne exposition était f16 à 1/500s, les réglages ci-dessous sont également corrects :
- f22 à 1/250s (en fermant le diaphragme il y a moins de lumière entrante, il faut donc un temps de pose plus long)
- f11 à 1/1000s (en ouvrant le diaphragme il y a plus de lumière entrante, il faut donc un temps de pose plus court)
- f8 à 1/2000s (idem)
etc… (les appareils manuels montent rarement au dessus des 1/1000ème de seconde)

C- Autres conditions météo

Vous avez compris le grand principe. Si vous n’êtes pas très à l’aise avec la règle de réciprocité, je vous conseille de la réviser sérieusement, vous devez parfaitement la maîtriser si vous vous engagez dans l’utilisation d’un appareil en mode manuel, ou même dans la photographie tout court.

Ceux qui suivent toujours vont me faire l’objection suivante : il n’y a pas toujours du soleil ! C’est là bien sûr que je vous indique comment utiliser la règle du f16 en cas de mauvais temps : il suffit de ne pas prendre de photo, ça ne vaut pas le coup quand il n’y a pas de soleil… je plaisante bien sûr, les pellicules noir et blanc se prêtent très bien aux temps couverts.

Voilà les grandes règles en cas de conditions météo différentes, un bon indice étant l’aspect des ombres :

- f22 : soleil très vif sur surface claire, comme la plage, ou la neige (ombres très nettes)
- f16 : plein soleil (ombres nettes)
- f11 : soleil légèrement voilé, ou en fin de journée (ombres légèrement floues)
- f8 : nuages, soleil masqué (ombres difficiles à discerner)
- f5.6 : ciel très nuageux, ou sujet à l’ombre par beau temps (pas d’ombres visibles)
- f4 : au coucher du soleil, ou ciel très lourd, ou sujet à l’ombre par temps couvert

Ceci toujours en prenant 1/iso comme vitesse.
Voilà pour la plupart des cas de figures…

D- The end

Avant de conclure, prenons un dernier exemple concret : vous photographiez un marathon, avec une pellicule 100 iso dans votre vieil appareil. Le temps est couvert et le soleil est masqué. Il faut donc adapter la règle du f16. Comme le ciel est nuageux, on devra se situer à f8 ou f5,6 1/iso… Difficile de savoir, donc vous regardez à quoi ressemble votre ombre : vous n’arrivez pas à la distinguer. Il vous faut donc exposer à f5.6 1/125s. Vous avez peur (et à juste titre) qu’1/125ème de seconde soit un peu lent pour bien figer les coureurs du marathon, alors grâce à la règle de réciprocité, vous transposez à f4 1/250s, ou f2.8 1/500s pour à la fois figer le marathonien et l’isoler de l’arrière plan avec une plus faible profondeur de champs.

Voilà. C’est fini pour aujourd’hui. Ne stressez pas trop en cas de doute, les pellicules sont relativement tolérantes aux erreurs d’exposition : 1 diaphragme sans problème, 2 diaphragme pas trop mal. Donc allez-y !

Si vous doutez encore et voulez être sûr de l’exposition, achetez une cellule à main, deux modèles d’entrée de gamme sont sympathiques et peu encombrants :
- la Sekonic L-208
- la Gossen Digisix
Elles sont toutes les deux assez intuitives et présentent l’avantage de visualiser en un coup d’œil tous les couples ouverture/vitesse corrects. Je ne peux me prononcer pour la Gossen, mais la Sekonic est vraiment petite, très simple d’utilisation, et assez précise tant qu’on ne descend pas trop bas dans les conditions lumineuses. Elle a même un système pour la fixer sur la griffe porte flash.

Maintenant assez parlé : sortez de chez vous et prenez des photos !

Autres articles sur le sujet :

Sur le site 35mm compact, profitez en pour passer en revue les petits télémétriques et compacts détaillés sur ce site, des bons petits outils !
Sur Wikipédia en français, et en anglais (plus détaillé).

* vous ne m’en voudrez pas de ne pas détailler l’effet Schwartzschild , qui contredit cette règle lors des très longs ou très courts temps de pose…

Avant de rentrer dans les détails techniques, un petit rappel des types d’appareils :

Les compacts : fourrés dans toutes les poches et les sacs à main, les compacts sont les appareils à emmener partout pour immortaliser les instants sans prétentions photographiques. Même si certains compacts visent une clientèle d’experts, leur qualité d’image reste limitée quand la lumière vient à manquer.

Les bridges : avec une qualité d’image moyenne, comme pour les compact, les bridges ajoutent des atouts en termes d’ergonomie, de réglages, de visée (viseur électronique) et proposent des zooms à l’amplitude parfois impressionnante. En contrepartie ils sont plus encombrants.

Les reflex : c’est le Graal du photographe qui veut tout maîtriser, quitte à s’encombrer d’un gros appareil. Leur qualité d’image est optimale, ils sont très rapides, possèdent de bons viseurs optiques et une bonne ergonomie. Cette catégorie est scindée en deux en fonction de la taille de capteur, la plupart des reflex grand public étant de type capteur APSC, et les appareils professionnels plutôt équipés de capteurs plein format (de la taille de nos anciens négatifs du temps de l’argentique).

Les hybrides : cette catégorie est toute récente, il s’agit d’appareils de petite taille, mais présentant la qualité d’image des plus reflex ainsi que la possibilité de changer d’objectifs. Cela se fait souvent au détriment de la rapidité et de l’ergonomie, et les prix ne sont pas (encore) très avantageux.

Caractéristiques technique :

Voici les paramètres techniques qui permettent de les classer les types d’appareils :

J’ai fait figurer la notion de dimension du capteur, qui n’est peut être pas très intuitive pour l’utilisateur, mais intéressante dans le sens où elle est directement reliée à la qualité de l’image.
À l’inverse, je n’ai pas parlé du nombre de pixels, car pour un usage amateur, le nombre de pixel de tous les appareils actuels est suffisant. Et pour un usage professionnel ? …et bien les professionnels savent ce qu’ils font et n’ont pas besoin de mes conseils
Pour ceux qui cherchent les complications, il existe bien sûr des exceptions à cette classification, comme les reflex APSH, les compacts à grand capteur (qui sont parfois sans zoom…), les appareils télémétriques ou encore les appareils moyen et grand format… mais ils sont très minoritaires sur le marché, alors je ne rentrerai pas dans le détail.

Autres caractéristiques :

Voyons à présent les caractéristiques en termes d’ergonomie, qualité d’image et prix.

Tout est donc affaire de compromis entre l’encombrement et la qualité d’image. La catégorie des hybrides semble proposer une solution à ce compromis, mais au détriment du prix, de plus leur taille est similaire à celle d’un bridge, donc pas si compacts que ça. L’idée de transporter dans votre poche un appareil à l’excellente qualité d’image est donc à oublier, et faire de bonnes photos en toute occasion oblige à transporter une sacoche dédiée à votre appareil.

Utilisations :

Bon, au final le but est quand même de prendre des photos, et tout appareil permet de prendre de bonnes photos (si si, même les compacts). C’est simplement qu’ils ne le permettent pas tous dans toutes les conditions. Voyons donc quels types d’appareils conviennent pour quelles utilisations :

Le système de notation de la qualité d’image, assez arbitraire, est en gros le suivant :
* Médiocre
** Moyenne
*** Bonne
**** Excellente

Sans surprise, les appareils reflex ou hybrides donnent les meilleurs résultats dans le plus de situation, au détriment comme on l’a vu plus haut, de l’encombrement et du prix.

Voilà ! Espérant vous avoir aidé à mieux comprendre, à défaut d’avoir donné une réponse universelle… tout dépendra de votre utilisation !

POUR FAIRE SIMPLE

Le réglage ISO correspond à la sensibilité. Cela est vrai aussi bien pour les pellicules argentiques que les capteurs numériques. Grosso modo sur la plupart des appareils le réglage ISO varie de  :

- de 100 ISO  : peu sensible, mais très bonne qualité d’image
- jusqu’à 1600 ISO  : très sensible, mais qualité d’image dégradée

Sachant que certains appareils descendent à 80 ISO, et d’autres montent à 6400 ISO voir plus encore (12800 voir 25600 sur certains appareils professionnels hors de prix).

Si vous ne voulez pas rentrer dans les détails, gardez le réglage automatique de votre appareil, il ne vous demandera jamais de réglage ISO. Mais si vous vous aventurez dans les réglages semi automatiques, voilà la suite.

POUR ALLER PLUS LOIN

Voilà donc un moyen simple de régler les ISO de votre appareil :

Cas 1 : il fait beau, temps ensoleillé

Le réglage des ISO peut rester bas : de 80 à 200 ISO : la qualité des images sera optimale, et la lumière vous permet d’utiliser une faible sensibilité. dans ce cas de figure la plupart des appareils fonctionnent bien en réglage AUTO ISO. C’est à dire que l’appareil choisit lui même le réglage ISO le plus bas possible pour la meilleure qualité d’image.

Cas 2 : il ne fait pas beau, photos d’intérieur

Sauf à utiliser le flash (ce que je ne recommande pas), il va falloir augmenter le réglage ISO. Avec un compact, on peut monter à 400 ISO, voir 800 ISO mais la qualité d’image commence à se dégrader. Avec un reflex, on peut monter à 1600 ISO voir 3200 avec des pertes de qualité plus acceptable. Ce ne sera pas le cas sur un compact qui donnera des images bruitées et vilaines. Si votre appareil est équipé d’un stabilisateur d’image, c’est le moment de l’utiliser.

Cas 3 : il fait nuit

Là, c’est moins clair… il y a plusieurs options. Soit vous avez un trépied, dans ce cas le temps de pose importe peu, vous pouvez rester à des faibles valeurs : iso 80 ou 100.
Si vous n’avez pas de trépied, et que vous photographiez à main levée, vous vous retrouvez dans la situation précédente : il faut monter les ISO et activer le stabilisateur d’image.

Voilà pour les ISO de manière simple et rapide, pour conclure simplement : restez à bas ISO (80 à 200) si vous le pouvez, essayez de ne pas trop monter si vous avez un compact (400, voire 800), et au contraire n’hésitez pas trop si vous avez un reflex (jusqu’à 1600). Bons z’ISO !

Dans le temps de l’argentique, les labos photos étaient calibrés pour rendre parfaitement la couleur de la peau. Pourquoi ça ? Car les 3/4 des photos développées étaient des photos de personnes. Cela reste vrai pour le numérique. Maintenant que les appareils sont systématiquement équipés de zooms, il existe une astuce pour améliorer vos portraits.

POUR FAIRE SIMPLE

Pour faire très simple et très rapide : il faut zoomer. Les photographes vous le diront, il y a des focales qui sont à privilégier pour prendre des portraits. Je ne vais pas ici rentrer dans le détail, c’est un site pour les non experts. Mais je vous donne un conseil simple : utilisez votre appareil à son zoom maximum. Voilà ce que ça donne avec votre serviteur :

Portrait obtenu avec le zoom au maximum

Évidemment, cela va impliquer de vous reculer par rapport à votre sujet, sinon vous n’aurez qu’un nez sur la photo. Le principe est donc de zoomer à fond et ensuite de vous reculer jusqu’à obtenir le cadrage souhaité. Avec les appareils compacts classiques, cela implique d’être à environ 2 mètres de la personne que vous photographiez pour un cadrage serré.

Que ce passe-t-il si vous ne me croyez pas ? Vous allez allumer votre appareil qui sera donc au zoom minimum. Si vous vous approchez au lieu de zoomer, vous serez trop près de votre sujet, et vous allez lui grossir le nez : démonstration ci-dessous.

Portrait obtenu avec le zoom minimum

Voilà pour mon nez ! Vous ne manquerez donc pas de demander à la prochaine personne qui voudra vous tirer le portrait de se reculer et de zoomer avant de vous immortaliser dans sa carte mémoire. Voilà pour la version courte !

POUR ALLER PLUS LOIN

Pour ceux qui veulent en savoir plus, petit cadeau : une jolie animation avec ma bouille (encore !) qui se transforme. Pas d’effets spéciaux ici, mais juste des photos prises à différentes distances, et donc en zoomant plus ou moins pour garder le même cadrage :

Portraits en fonction du zoom

La photo au “zoom mini” est prise à environ 40 cm, et les autres à environ 1,5 mètre, et 3 mètres pour le “zoom maxi”. Remarquez comme le visage se transforme, le nez et le menton (les éléments en avant du visage) diminuent de taille, en faveur du reste du visage : pommettes, front… et oreilles. Cette méthode n’est donc pas forcément à conseiller si le sujet a les oreilles décollées.

Les deux images de cette animation les plus satisfaisantes sont prises des focales équivalentes de 70 et 140 mm. Les manuels de photographie et les usages recommandent en général d’utiliser une focale supérieure à 80 mm pour les portraits serrés comme celui-ci. Sauf si vous voulez le faire exprès : en effet les focales trop courtes (zoom mini) vous obligent à être près de votre sujet, ce qui augmente la taille du nez proportionnellement au reste du visage.

Autre avantage de se reculer : le flash ! Si vous prenez ce fameux portrait avec un flash, et que vous êtes trop près, vous allez obtenir l’effet fromage blanc : des reflets blancs sur le front et le nez de votre sujet, et pour ne rien gâter il sera plus à l’aise que si vous agitez un appareil sous son nez. Tout vous pousse donc à vous reculer.

Voici celles que je me suis mis de côté la semaine passée :

Conseil photo flash sous exposée

Prendre une photo de mon visage et paraitre moins gros (il y sera question de zoom)

Prendre de belles photos de soi avec un projecteur (je comprend projecteur halogène)

À suivre pour les articles correspondants !

Mettons que vous êtes allé vous balader dans la nature, et vous avez fort bien fait. Il y avait un joli chemin qui serpente entre les champs, mais le temps était un peu gris. L’image obtenue est passablement terne et ne rend pas comme vous le vouliez.

La photographie initiale

POUR FAIRE SIMPLE :

Voyons comment améliorer ça : la méthode rapide et sans réfléchir s’appelle NIVEAUX AUTOMATIQUES. Cette commande existe dans tous les logiciels de retouche dignes de ce nom, et se trouve la plupart du temps dans le menu IMAGE > RÉGLAGES > NIVEAUX AUTOMATIQUES. En utilisant cette commande, le logiciel ajuste automatiquement les contrastes, ainsi que la balance des couleurs.

Image après la commande NIVEAUX AUTOMATIQUES

Voilà donc l’image corrigée, plus contrastée, avec plus de peps. Cette commande fonctionne la plupart du temps, mais peut parfois donner des résultats étranges. Il faudra alors se plonger dans des réglages plus complexes (mais pas trop non plus).

Quesaco ?

Que c’est-il donc passé ? Et pour reprendre au point de départ, pourquoi l’image initiale était-elle terne ? Pour mieux comprendre et faire des réglages plus fins allons dans l’outil NIVEAUX tout court et sans automatisme. On le trouve dans le menu IMAGE > NIVEAUX. Nous voyons apparaitre sous nos yeux tout court, un histogramme de ce type (certaines versions de logiciels affichent des histogrammes à trois couleurs mais le principe reste le même).

Histogramme des niveaux avant correction

C’est quoi donc ce truc ? En gros ce graphique indique comment sont réparties les tonalités de l’image. Les tons sombres sont à gauche, et les tons clairs à droite comme l’indique l’échelle de dégradé en bas.

Comment lire ce graphique ?

L’outil niveau permet donc de voir que notre image initiale a globalement plus de tons sombres que clairs car le graph est plutôt décalé vers la gauche, et qu’on voit une grosse montagne dans les tons gris foncés.

Plus important on voit que notre graph ne va pas jusqu’au noir complet (tout à gauche) ni jusqu’au blanc pur (tout à droite). C’est principalement ça qui nous montre que l’image est un peu terne.

Comment utiliser ces niveaux ?

L’outil NIVEAUX permet de mieux répartir les niveaux de l’image. En règle générale (rappelons nous que toute règle est faite pour être détournée si besoin), je disais donc en règle générale une image bien équilibre présente des niveaux allant du noir noir, au blanc blanc. C’est ce qu’on va faire en bougeant les curseurs triangulaires en bas du graphique.

Ajustement manuel des niveaux

Non je n’ai pas fait un copier/coller de l’image d’avant ! Regardez bien, j’ai bougé les curseurs noirs et blancs juste en bas du graphique pour qu’ils coïncident avec le début et la fin de l’histogramme. En quelque sorte j’ai “recadré” les niveaux pour qu’ils se répartissent du noir au blanc et non plus du gris foncé au gris clair. Vous noterez que si la case APERÇU est cochée, vous pouvez voir en direct les effets de vos modifications.

Le résultat avant / après :

L'image avant et après les niveaux manuels

L’effet est moins violent que NIVEAUX AUTOMATIQUES, mais plus naturel. Les niveaux sont ajustés au mieux, les tons sont globalement plus clairs, on a des noirs bien noirs dans les ombres des arbres, et des blancs bien blancs à certains points du ciel.

POUR ALLER PLUS LOIN

Que se passe-t-il donc quand on utilise ces fonctions ? Pourquoi l’image est plus contrastée après les NIVEAUX AUTOMATIQUES ? Que deviennent les histogrammes des images ? En voilà plein de questions !

Pour commencer, si nous relançons l’outil NIVEAUX après avoir fait les NIVEAUX AUTOMATIQUES voilà ce que ça donne :

Histogramme après les niveaux automatiques

L’histogramme est devenu hirsute. Mais les plus important est de voir qu’il est répartit sur toute la largeur, et même plus. Le mode NIVEAUX AUTOMATIQUE est un peu violent et fait disparaitre certains détails dans les ombres et les lumières, au profit d’une image plus contrastée.

L’aspect hirsute et les bandes blanches indiquent aussi une perte de qualité, certaines tonalités n’existent plus. Gardez donc à l’esprit que toute retouche dégrade votre image.

Pour comparaison, voilà l’histogramme les niveaux de l’image dont les niveaux ont été retouchés manuellement :

Histogramme après NIVEAUX manuel

C’est déjà beaucoup plus propre, et l’histogramme est bien calé sur l’échelle du noir au blanc, sans déborder, tous les niveaux sont visibles et les pertes (bandes blanches) sont limitées.

Maintenant que vous comprenez mieux le fonctionnement des NIVEAUX, vous pouvez commencer à triturer les autres curseurs et voir leurs effets. Notamment le curseur gris au milieu de l’échelle, il vous permet d’éclaircir ou d’assombrir l’image. Je n’irai pas plus loin mais ça viendra, dans un autre article.

POUR FAIRE SIMPLE

Et mon gros zoom ?

Le chiffre indiqué pour caractériser les zooms correspond à l’amplitude du zoom. Plus ce chiffre est élevé, plus la différence entre les angles de vues au zoom mini et au zoom maxi va être grande, c’est ça qu’on appelle amplitude. Un zoom 3x correspond à une faible amplitude, alors qu’un zoom 12x correspond à une grande amplitude. Avec un zoom 12x, en zoomant à fond vous pourrez donc voir un objet en 12 fois plus grand que lorsque le zoom est au mini.

Grossissement

Le problème, c’est que cette amplitude ne nous dit pas où commence et où fini le zoom. C’est pour ça que je n’ai pas utilisé le terme “grossissement” mais bien “amplitude”. Si vous ne voyez pas où je veux en venir, prenons un exemple avec deux appareils :

Sony TSC T-77 : zoom 4x (35-140mm en équivalent 24×36)

Canon Ixus 870IS : zoom 4x (28-112mm en équivalent 24×36)

Nous avons donc sous nos yeux ébahis deux appareils photo avec un même zoom 4x. Un même zoom ? Justement pas. L’amplitude 4x est bien la même, mais le grossissement n’est pas le même, puisqu’il ne multiplient pas 4 fois la même chose. Le Sony va grossir plus que le Canon car 4 x 35 = 140mm, alors que 4 x 28 = 112mm. Le Sony sera donc meilleur pour prendre des photos de loin, mais le Canon va voir “plus large” grâce à son mini à 28mm (contre 35mm) et sera donc meilleur pour les photos d’intérieur ou de paysage.

Bon, soyons honnêtes, un appareil photo avec un zoom 12x grossira forcément plus que celui avec un zoom 3x, mais attention : nous voyons bien que pour deux valeurs de zoom identiques il peut y avoir des différences de grossissement.

Et concrètement ?

C’est bien beau, mais que choisir comme zoom ? Tout dépend de votre utilisation :

• Si vous voulez prendre des oiseaux de loin, prenez un appareil photo possédant un zoom avec une valeur maxi la plus élevée possible . Une valeur supérieure à 200 voir 300mm (en équivalent 24x26mm) sera recommandée pour un bon grossissement, peu importe qu’il soit 12x ou 8x.
• Si vous prenez plutôt des paysages ou des photos d’intérieur, privilégiez un zoom avec un valeur mini la plus faible. On prendra 28mm ou 24mm pour un bon “grand angle” (en équivalent 24x26mm).
• Si vous ne savez pas ? Prenez le plus joli ! Plus sérieusement le plus polyvalent serait de prendre un appareil avec une grande valeur de zoom (4x minimum) et commençant à 28mm, mais de préférence pas à plus de 35mm. Certains appareils ont un zoom qui commence à 38mm, vous serez vraiment embêtés pour des photos d’intérieur avec tous vos amis, à éviter donc.

POUR ALLER PLUS LOIN

Le compte est bon ?

Bon, vous avez bien compris le principe mais c’est quoi cette histoire d’équivalent 24x36mm ? Et comment on calcule ces chiffres ?

Je vais essayer d’expliquer ça sans rentrer dans trop de détail d’optique, et commencer par un point obscur : la façon dont sont exprimées les caractéristiques des objectifs. Vous voyez sur les objectifs des appareils des tas de petits chiffres bizarres, du genre : 5.8-23.2mm 1:2.8-5.6mm. Mauvaise nouvelle : on ne peut pas tirer grand chose de ces chiffres? en tout cas des deux premiers (les deux derniers qui concernent l’ouverture j’en reparlerai une autre fois). En effet depuis l’avènement des compacts numériques ces chiffres ne sont plus du tout comparables d’un appareil à l’autre. C’est pourquoi on utilise une valeur standard pour les comparer qui est le fameux “équivalent 24×36″.

Des capteurs pas comparables

Sans entrer dans les détails d’optique, ce qui est important dans un zoom, c’est l’angle de vue, à savoir : est ce que je vois large (vous avez tout le grand canyon qui tient dans la photo) ou est ce que je vois étroit (vous pouvez zoomer sur le coyote qui se balade au fond du grand canyon).

Autre paramètre : les appareils photo compacts modernes ont tous des capteurs de taille différente.

Or, les chiffres indiqués sur les objectifs ne vont pas correspondre à un même angle de vue selon la taille du capteur. Pour simplifier le tout, les fabricants indiquent très rarement la taille du capteur, ou alors tout à la fin du livret à la 230ème page.

C’est pour cette raison que pour comparer les angles de vue, on ramène les chiffres à des équivalents en 24 x 36mm. Ces 24 x 36mm correspond à la taille des négatifs des anciennes pellicules argentiques. En cette époque reculée, tout le monde avait les mêmes pellicules (les “capteurs” de l’époque), donc toutes les focales étaient comparables, c’est pour ça qu’on a gardé ces chiffres même si tout ça devient très peu intuitif.

Voilà une liste indicative pour résumer :

moins de 20 mm : ultra grand angle (photos très déformées et étranges)

24 mm : très grand angle (bien pour les paysages)

28 mm : grand angle (bien pour les paysages)

35 mm : léger grand angle (très polyvalent : tous les anciens appareils photos argentiques sans zoom et les jetables avaient une focale d’environ 35mm).

50 mm : focale normale (polyvalent : focale présente sur 3/4 des objectifs des anciens appareils réflex argentiques sans zoom)

80 mm : petit téléobjectif (portrait)

135 mm : téléobjectif moyen (portrait plus serrés)

200 mm : très long téléobjectif (presque trop serré pour du portrait)

300 mm et plus : on s’approche du domaine des paparazzi ou des photographes animaliers.

Et les calculs ? Et les chiffres ?

Vous aviez compris bien sûr, pour un zoom 4x qui mentionne 5.8- 23.2mm, on a bien 5,8 x 4 = 23,2. Ce calcul est toujours vrai en équivalent 24 x 36, puisque cela donne un zoom 35 – 140mm, et que si je ne m’abuse 35 x 4 =140. Le compte est bon.

Par un magnifique calcul d’optique pas trop compliqué mais que je vous épargne, cela veut aussi dire que pour ce zoom 4x les objets seront grossis 4 fois en zoomant du mini au maxi.

Voilà pour aujourd’hui. Ce n’est pas trop le propos de ce site d’expliquer des choses trop poussées, mais si on me réclame, je préciserai ce que sont les focales et comment tout ça se calcule.

Vous vous rappelez les vieux reflex en métal, noir et argent, ceux avec qui on pourrait assommer quelqu’un et continuer de fonctionner. Ces appareils peuvent se trouver aux environs de 50 €, en bon état de marche avec un objectif. Privilégiez un 50mm, c’est ce que vous trouverez la plupart du temps.

Voici une liste non exhaustive d’appareils que vous trouverez pour des prix modérés, accompagnés de leur objectif 50mm.

Appareils manuels

Canon FT QL ou Canon FTb
Nikon FM
Pentax K1000 ou Pentax MX

Appareils semi auto à priorité diaphragme

Canon Av1
Nikon EM
Pentax ME ou Pentax ME Super

Il ne vous reste plus qu’à mettre une pile si besoin, une pellicule 36 poses noir et blanc (Kodak TRI-X ou Ilford HP5 par exemple) ou couleur (Fuji Superia 400 ou 200) et à partir en balade avec. Vous verez que votre comportement changera complètement ne serait-ce que pour la mise au point. Il n’y a pas tant de boutons à bouger que sur les appareils actuels. Tous vos gestes seront réfléchis et vos photos plus intéressantes.

Mon conseil : prenez un appareil à priorité diaphragme avec un 50mm (le Nikon EM ou le Pentax ME sont très bien, j’utilise un Pentax pour ma part), vous n’avez qu’à régler la sensibilité ISO de votre pellicule au moment du chargement, ensuite il vous suffit de faire la mise au point, choisir le diaphragme pour une vitesse convenable et hop ! Seulement deux paramètres,  mise au point, diaphragme.

POUR FAIRE SIMPLE

Les compacts ne sont pas, mais alors du tout du tout, les appareils les plus adaptés pour les photos de spectacles. Pour être plus précis, les conditions d’un spectacle (faible luminosité, forts contrastes, sujets mobiles) cumulent tout ce que les compacts n’aiment pas, et il va falloir s’en débrouiller.

Préalable

Pour faire de bonnes photos de spectacle il faut un bon éclairage. N’imaginez pas prendre des photos spectaculaires du petit dernier à la soirée théâtre de l’école, avec la scène éclairée par des néons sur fond de tableau d’affichage. Attention, ne me faite pas dire ce que je n’ai pas dit, ces photos feront de formidables souvenirs, mais ce ne seront pas des images “esthétiques”.

Ce premier élément ne dépend malheureusement pas de vous, et nous partirons du principe que vous photographiez un artiste professionnel avec un éclairage soigné et étudié, composé de spots de couleurs, de laser, de torches, que sais je encore.

Première règle

S’approcher. Si vous le pouvez, et s’il ne s’agit pas d’un concert classique avec places numérotées, approchez vous de la scène autant que possible, en essayant d’éviter les agités des premiers rangs, ne serait-ce que le temps de quelques images. Il est très rare que le meilleur point de vue pour une photo soit l’endroit d’où vous avez dégainé l’appareil.

Deuxième règle

Coupez le flash, il ne vous aiderait pas à faire de belles images. Elles seront nettes mais pas “réussies”. Désactivez donc le mode FLASH de votre appareil, cette fonction est le plus souvent directement accessible par un bouton. L’icône standard du flash coupé est un éclair barré. Cette manipulation devrait être possible dans tous les modes de prise de vue, mais essayer de privilégier le mode NUIT ou INTÉRIEUR.

Les photos !

A partir de là, la chance entre en jeu. Vous êtes donc (idéalement) au pied de la scène (ou pas trop loin), à l’abri des agités des premiers rangs, et vous avez coupé votre flash. Essayez de bien cadrer, en évitant que le micro ou le pied de micro ne cache un visage, et en vous concentrant plutôt sur une seule personne à la fois. Les belles photos de spectacle sont souvent basées sur des attitudes et il est rare que deux musiciens soit simultanément dans l’attitude parfaite. Nous disions donc : cadrez votre star favorite, faites la mise au point en appuyant à mi-course sur le déclencheur mais sans prendre la photo, gardez juste votre doigt appuyé à mi-course. C’est là que vous devez attendre l’attitude parfaite, en combinaison si possible avec le bon éclairage et en conservant votre cadrage, pour prendre la bonne photo au bon moment. Recommencez l’opération autant que nécessaire pour une photo qui ne soit pas floue ou mal exposée. Il y aura beaucoup de ratés, c’est normal, mais vous devriez en obtenir de satisfaisantes. En dernier recours, utilisez votre flash, mais ce n’était pas la peine de lire tout ça.

Et un dernier conseil quand même, si rien de tout ça ne marche, remettez vous en mode “auto” avec flash et tout et tout. Je ne voudrais que vous m’en vouliez parce que vous êtes revenu(e) du dernier concert de Johnny sans aucune photo valable, mieux vaut une photo moins esthétique que pas de photo du tout.

POUR ALLER PLUS LOIN

Pourquoi les compacts sont ils mal adaptés aux concerts ? Et bien c’est à cause du bruit. Pas du bruit du concert bien sûr, n’allez pas mettre des bouchons d’oreille à votre appareil, il s’agit du bruit numérique. Le bruit numérique se caractérise sur les images par des pixels colorés là où il ne devrait pas y en avoir, ainsi qu’une perte de détail et un aspect granuleux/floconneux. Le plus souvent il s’agit de pixels bleus dans les zones les plus sombres. Ce phénomène correspond un peu à ce qui se passe si vous enregistrez un son très faible avec un micro. Vous allez monter le gain pour mieux entendre, mais en contrepartie vous obtenez un souffle désagréable en bruit de fond. Dans les conditions très peu lumineuses, votre appareil va devoir monter son “gain” lui aussi et on verra apparaître un bruit de fond cette fois constitué de pixels désagréables.

Ce phénomène est d’autant plus visible que le capteur d’un appareil numérique est petit, et ils sont très petits sur les compacts. Le mieux serait d’utiliser un appareil reflex, mais cela fera l’objet d’un autre article, et de plus on vous laissera rarement entrer dans une salle de concert avec un reflex sans autorisation spéciale.

Retour sur la première règle

S’approcher. Oui, je sais ce n’est pas toujours possible, mais de loin vous n’aurez qu’un plan général avec les autres spectateurs devant vous, ou alors vous allez zoomer, et dans ce cas le zoom accentuera les tremblements de votre bras et vous allez avoir des photos floues. Donc : s’approcher… Ne me demandez pas comment faire de belles photos de concert de loin, je ne saurais pas vous répondre.

Retour sur la deuxième règle

Coupez le flash, je maintiens, et ceci pour un tas de bonnes raisons :

- Tout d’abord, si vous n’avez pas pu vous approcher jusqu’à la scène : le flash ne sera pas assez puissant pour éclairer votre artiste préféré(e), mais illuminera parfaitement les dreadlocks du grand rasta devant vous. Ça donne un premier plan flou et surexposé des cheveux du rasta, et une scène non éclairée au loin. On oublie donc le flash ! Astuce : à partir de maintenant, vous ferez attention en regardant les redifs de concerts au stade de France,  et vous aurez une pensée émue pour tout ces mignons flashs depuis le 34ème gradin qui tentent désespérément d’éclairer Johnny 100 mètres plus loin. Et le flash de près me direz vous ?  C’est le point suivant.

- Plus important sans doute : les belles photo de spectacle ne sont pas faites au flash (je sais, cette considération reste subjective, mais les contre exemples sont rares). En effet votre artiste préféré a travaillé avec son éclairagiste, en choisissant quel type de lumière il voulait, à quel moment il le voulait, afin de rendre une certaine ambiance. Si vous êtes assez près de lui pour l’éclairer avec votre flash, vous allez gommer cet éclairage, c’est exactement comme si vous rallumiez la lumière en plein milieu d’un dîner aux chandelles. Sans compter le risque d’aveugler votre star préférée qui vous lancera un regard noir.

Les photos : soyons plus précis

Oui, il faut s’attendre à une proportion non négligeable de photos floues, mais bon, vous les effacerez et personne n’en saura rien. Le photographe de concert avec son gros réflex est habitué aux photos floues lui aussi, même s’il en a beaucoup moins que vous. Mais il les efface et personne n’en sait rien. (Avoir l’air d’un bon photographe consiste souvent à ne pas montrer les mauvaises, mais gardez ça pour vous).

Le choix du mode

Le mieux serait de se mettre en mode PRIORITÉ A L’OUVERTURE, ou mode Av, ou A, mais peu de compacts le permettent. Si vous pouvez vous mettre en mode priorité à l’ouverte, sélectionnez l’ouverture la plus grande, soit le nombre le plus faible (oui c’est pas logique mais c’est comme ça). Sur les compacts la plus grande ouverture oscille entre 2,8 et 3,5. L’appareil fera le reste. N’oubliez pas de couper le flash.

Si vous n’avez pas ce mode, utilisez le mode NUIT, ou INTÉRIEUR ou FEU D’ARTIFICE que l’on trouve parfois (du moment que le mode vous permet de couper le flash). Ce sont des modes prévus pour être à une grande ouverture. Ils devraient donc fonctionner.

Problèmes insolubles et leurs solutions

Malgré tout cela, vous êtes devant la scène, flash coupé, mais il se peut que ça ne marche toujours pas :

ça reste flou ? Quoi que vous fassiez vous n’obtenez pas une seule photo nette ? Il va peut être falloir monter la sensibilité ISO. Dans les modes par défaut la sensibilité est souvent bridée à 200 ISO, pour ne pas avoir trop de bruit. Mais il vaut mieux une photo nette avec du bruit, qu’une photo floue.  Cherchez dans le menu pour augmenter le réglage ISO manuellement jusqu’à 400, voir 800 ou 1600 ISO. à 400 le bruit reste plus ou moins supportable sur la plupart des appareils, mais au delà c’est moins bien, voir catastrophique. A vous de voir. Une autre question ? Votre appareil ne permet pas de régler les ISO ? Et bien remettez votre flash, qu’est ce que vous voulez que je vous dise.

C’est surexposé / sous exposé ? Les conditions lumineuses d’un concert sont extrêmes, le fond de la scène est tout noir, alors que le guitariste a un projecteur en pleine poire, sans compter que tout cela (le projecteur et le guitariste) bouge dans tous les sens. De quoi perturber votre appareil. Si vous avez des photos mal exposées, j’espère que votre appareil permet de compenser l’exposition.  Si vous voyez un bouton qui ressemble à l’image ci-contre, vous avez du bol ! Ce bouton vous permet de compenser les erreurs de votre appareil. Si la tête du chanteur est toute blanche, l’image est surexposée. Appuyez sur le bouton et diminuer l’exposition jusqu’à -1 voir -2. Si les images sont trop sombres, elles sont sous exposées. Augmentez l’exposition jusqu’à +1 ou +2. Vous n’avez pas ce bouton ? Et bien remettez votre flash, qu’est ce que vous voulez que je vous dise.

Maintenant bon concert/spectacle/soirée théâtre du petit dernier ! Revenez ici pour toute question dans les commentaires !

Propositions de critères de choix

Pour réussir ses photos il faut souvent être capable de modifier les réglages et ne pas laisser l’appareil choisir tout seul. De plus si vous souhaitez en savoir un peu plus sur la photo, commencer à modifier les réglages d’un compact est un bon début. Choisissez donc un appareil qui propose les réglages manuels classiques (M, S, A, P ou M, T, A, P selon les marques). Vous ne serez pas obligé de les utiliser, mais ils seront disponibles en cas de besoin.

Un problème fréquent avec les compacts, c’est qu’ils fonctionnent avec l’écran allumé en permanence, ce qui use rapidement les batteries. Par dessus le marché, toutes les batteries sont différentes avec les chargeurs adaptés. Dans ce cas il est intéressant de choisir un appareil utilisant des piles LR4 (AA), et d’utiliser des piles rechargeables. Le mieux est de prendre un jeu de 4 piles rechargeables et le chargeur, vous aurez ainsi toujours 2 piles d’avance quand celles de l’appareil seront déchargées. L’autre avantage est que bien d’autres appareils utilisent des piles rechargeables comme par exemple les flashs).

Voilà donc mes conseils : appareil avec modes manuels, et fonctionnant sur piles rechargeables.

POUR FAIRE SIMPLE

La première chose à faire est simple : combattre la tendance naturelle à mettre le sujet au milieu de la photo.

Pour les portraits :

Une règle facile : ne pas pas laisser d’espace vide au dessus des têtes. Spontanément quand nous prenons une personne en photo, nous plaçons le visage au centre de l’image. Dans ce cas il y a un espace vide et inutile au dessus de la tête, et nous ne voyons pas assez le buste.  Si nous prenons des photos “en pied”, cela conduit souvent à couper les pieds et laisser du ciel vide au dessus de la tête.

Le but est donc de cadrer en laissant le moins de place au dessus de la tête.

Pour les paysages :

C’est le même phénomène, nous plaçons souvent l’horizon au milieu de la photo. Ainsi l’image est coupée en deux parties égales : autant de ciel que de terre, mais dans ce cas la moitié de l’image est inutile car uniquement constituée de ciel, qui est le plus souvent de couleur unie.

Donc pour les paysages il est recommandé de faire un choix :

• soit on met plus de terre que de ciel, c’est le cas le plus fréquent dans les paysages de vacance :

Paysage avec plus de terre que de ciel

• soit on met plus de ciel que de terre, ça peut être intéressant si le ciel est particulièrement spectaculaire, dans le cas d’un coucher de soleil ou d’un ciel bleu avec des nuages :

Paysage avec plus de ciel que de terre

On recommande souvent de découper mentalement l’image en tiers. Nous verrons juste après pourquoi.

POUR ALLER PLUS LOIN

La règle qui sous-tend les explications précédentes est appelée règle des tiers. Elle veut que les éléments importants d’une image se situent sur les lignes de tiers et à leur intersection.

Les lignes de tiers et leurs intersections

Ceci peut s’appliquer pour les portraits, que le cadrage soit vertical ou horizontal.

Portrait avec visage placé à une intersection

Cela s’applique également sur les paysages, lorsqu’il y a un élément intéressant : choisir de placer l’horizon sur une ligne de tiers, et l’élément intéressant à une intersection avec une ligne de tiers verticale.

Paysage avec 2/3 de ciel, et le sujet placé à une intersection

Bien sûr ces règles ne sont pas toujours utilisables et adaptées. N’hésitez pas à expérimenter maintenant que vous savez que les cadrages les plus intéressants sont souvent ceux où le sujet n’est pas au centre… sauf si c’est un choix délibéré.